6 月 15 日，第 27 届上海国际电影节 " 开幕论坛：时代风华 梦启新程 " 举行，万达、大麦娱乐、光线、上影、华策等影视行业领军企业代表齐聚一堂，围绕中国电影诞生 120 周年历史节点，就内容创新、产业升级、技术迭代等核心议题展开深度对话，为中国电影可持续发展注入思想动能。

中宣部电影局主持日常工作的副局长毛羽，中国电影基金会理事长张丕民，华夏电影发行有限责任公司党委书记、董事长白轶民，中共上海市委宣传部副部长、上海市电影局局长潘敏等出席论坛。论坛由中国电影艺术研究中心研究员、《当代电影》杂志主编皇甫宜川主持。

01

上海 " 电影之城 " 建设成果丰硕  

全产业链服务赋能创作生态

上海市委宣传部电影处处长刘祎呐致辞中介绍，过去一年上海以全流程服务体系推动电影创作实现质效双升。2024 年，42 部上海出品电影占全国国产片票房总量的 1/5，13 部作品票房过亿，占全国过亿影片数量的 1/4，3 部作品荣获 " 五个一工程 " 奖，8 部作品斩获华表奖、金鸡奖、百花奖等 12 项大奖，形成 " 佳作频出、票房领跑 " 的良好态势。

作为服务创新典型案例，2024 年以 7.2 亿票房跻身国产片年度前十的《好东西》，通过组建专项服务专班、协调全市勘景资源、创新 " 城市情书 " 主题宣发，实现小成本影片的口碑票房双丰收，被业内称为 " 上海服务体系助力创作的范本 "。上海已建立涵盖项目立案、拍摄、宣发全周期的重点项目库，并依托文化发展基金会形成稳定的资助机制，为《酱园弄 · 悬案》《刺杀小说家 2》《浪浪山小妖怪》《分手清单》《欢迎来龙餐馆》《飞驰人生 3》等重点影片提供从创作到市场的全链条支持。刘祎呐说：" 期待这些影片能为中国电影市场注入更多能量，也期待更多国内外制片企业能落户上海，还期待越来越多的好作品在上海诞生、成长、壮大，给行业以希望、给观众以力量、给城市以荣光。"

02

从 " 仰望工业 " 到 " 驾驭工业 "

与观众双向奔赴

在开幕论坛环节，万达电影股份有限公司董事长兼总裁陈祉希表示，电影工业标准提升使制作周期从 1 - 1.5 年延长至 3 年以上，导致内容供给减少。她提出，上一代新导演的成功催生了 " 高追求 " 效应，但新一代导演的补给却严重不足。" 我们收到 800 多个青年导演剧本，最终只能选出 10 个进入开发，即便在短片阶段，他们对叙事节奏、观众共情的把握仍显生涩。" 这种断层不仅源于创作能力，更与人才培养体系的滞后密切相关。

" 中国电影不缺有才华的年轻人，缺的是让才华落地的土壤。" 陈祉希表示，当行业过度关注 " 下一个郭帆 " 的出现，却忽视了人才成长的系统性需求，终将陷入 " 青黄不接 " 的循环。唯有从教育、产业、政策多维度构建 " 以观众为中心 " 的培育体系，才能让青年导演从 " 仰望工业 " 变为 " 驾驭工业 "，为中国电影的下一个十年储备真正的创作动能。

面对中国电影产业的结构性挑战，大麦娱乐总裁李捷提出，需从观众、投资方、制作与宣发方三个维度建立危机意识与反应机制，为行业破局提供系统性思考。他认为，中国电影观众规模潜在可达 3 亿至 4 亿人，但影院观影率未达预期的核心原因在于 " 影片品质未满足期待 "。春节后灯塔研究院调研数据显示，《哪吒之魔童闹海》等作品拉高了观众对优质电影的评价标准，约 15% 的观众期待提升直接导致部分影片票房不及预期。他强调，当前行业缺乏有效的观众信息反馈系统，尤其在与国际优质内容对比时，国产片尚未建立稳定的品质认知。

" 电影不是过时的娱乐形式，而是需要用创新赢回观众的艺术。" 他表示，当《长安三万里》能以动画形式承载传统文化并斩获高票房时，行业已证明 " 内容创意 + 技术适配 " 的可能性。唯有打破对 " 大投入、大明星 " 的路径依赖，中国电影才能在观众审美升级与技术变革中重获增长动能。

03

聚焦创意驱动

打破 " 票房唯一 " 困局  

光线传媒股份有限公司董事长王长田直指行业产能过剩问题：" 当前上千部的年产量中，至少一半缺乏市场竞争力。" 他建议将故事片产量压缩至 500 - 600 部，聚焦 " 必看性 " 内容——即通过题材创新、风格突破和视听升级，让电影在与短视频、游戏等娱乐形式的竞争中重获优势。

"《哪吒》《流浪地球》系列电影的成功证明，观众需要的是‘不可替代’的观影体验。" 他以 2024 年票房数据为例，指出头部 10% 的影片贡献了 70% 的票房，而尾部影片平均票房不足千万，这种 " 马太效应 " 倒逼行业必须淘汰低效产能，将资源集中于类型创新与工业化制作。

王长田警示行业风险：" 当前 95% 的收入依赖票房，远高于美国的 30%。" 他以《哪吒之魔童闹海》为例，该片衍生品销售额预计超千亿，显露出 IP 开发的巨大潜力。" 当《流浪地球》等作品能通过周边产品覆盖 40% 成本时，行业才能真正抵御市场波动。"

作为拥有 76 年历史的国有电影企业，上海电影（集团）有限公司党委书记、董事长王隽围绕老牌电影企业的传承与创新，分享了上影在全产业链建设、技术融合及 IP 生态开发等方面的实践思路，勾勒出传统电影企业面对产业变革的应对之策。

王隽回顾行业变迁，20 多年前中国电影史上首部破亿影片《生死抉择》诞生，而如今单片票房已达百亿级，未来更有望冲击 200 亿票房能级。这种跨越式发展让上影思考三大命题：如何继承前辈奠定的工业基础、如何应对观众与市场的迭代、如何布局电影的未来形态。

" 从 1 亿到 200 亿，不仅是数字增长，更是产业逻辑的重构。" 她指出，上影作为 " 电影之城 " 上海的主力军，正通过全产业链建设回答这些问题——既坚守内容创作的核心，又通过技术赋能与业态创新拓展边界，形成 " 传统根基 + 创新活力 " 的发展双轮。

华策影视集团总裁傅斌星则聚焦创意驱动，她提出 " 用创意平衡成本 " 的发展理念，通过成立电影学院和技工学校构建人才培育体系，深度陪伴创作者成长。她表示，当下观众审美与文化需求正快速迭代，创作者需走出办公室，深入年轻群体感知时代脉搏，以《流浪地球》系列为例，其成功印证了 " 硬核科技 + 情感共鸣 " 的创作逻辑，也为科幻类型片打开了工业化探索空间。

04

凝聚 " 三个不变 " 共识

锚定电影强国建设方向

在中国电影诞生 120 周年的历史坐标上，行业需以 " 守正创新 " 的姿态应对挑战——既要坚守内容为本的创作初心，又要在技术应用、产业模式、国际传播等领域开拓新局。

数据显示，第 27 届上海国际电影节开幕首周票房已达 4300 万元（截至 6 月 14 日），《酱园弄 · 悬案》作为开幕影片首创上海市 500 厅同步放映，标志着电影节正从专业平台向全民文化盛事升级。

中国电影正站在新的历史起点上，唯有以观众需求为导向，以技术创新为引擎，以人才培育为支撑，才能在传承百年光影基因的基础上，书写从电影大国迈向电影强国的新篇章。

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解构观众变迁

探索中国电影创作新范式

在论坛第二部分，陈茂贤、董润年、黄建新、李少红、文晏、魏书钧等电影人齐聚一堂展开深度对话，为中国电影注入新视角的思考动能。

导演董润年认为，当下观众 " 不再是被动接受者，而是带着强烈主体意识的参与者 "，他们通过短视频、社交平台等渠道构建自我表达体系，甚至将电影切片作为形成个人价值观的讨论素材。这一观点得到与会者共鸣，数据显示，中国观众日均网络使用时间达 5 小时，其中短视频消费占比超 60%，这种行为模式正重塑他们对电影的期待——从单纯娱乐转向情感共鸣与社交话题的需求。

" 观众不再满足于被讲述故事，而是渴望在电影中看到自己的影子。" 导演陈茂贤以自己的作品《破 · 地狱》为例，透露该片在剪辑阶段进行了 1050 份样本的观众调研，根据香港等地的反馈调整了 50 余个版本，最终形成的叙事节奏更贴合年轻群体的认知习惯。这种 " 创作 - 反馈 - 迭代 " 的模式，打破了传统闭门造车的创作逻辑，印证了观众与创作者正在形成文化共同体。

导演黄建新则关注到行业内部的矛盾：" 专业电影人年均观影量从 50 余部降至 20 余部，却要求观众保持热情，这本身就是悖论。" 他强调，创作者必须主动拥抱短视频等新媒介，" 不是为了对抗，而是理解这个时代的信息传播逻辑 "。数据显示，2024 年中国电影观众中，35 岁以下群体占比达 72%，他们成长于互联网环境，对视听语言的节奏、主题表达的深度都提出了更高要求。

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创作突围路径：

技术赋能与人文坚守的平衡

导演李少红以多年创作经历为脉络，深刻剖析了技术迭代与观众变迁对电影创作的重塑。面对短视频对观众注意力的重构，她以王朔为例——这位作家曾熬夜刷短视频 8 小时，既焦虑又依赖，" 这揭示了短视频已成为创作者了解世界的窗口，而非对立的敌人 "。

" 刷短视频不是消遣，而是在寻找与观众的共情点。" 李少红指出，当她在抖音观察到某条乡村生活视频获百万点赞时，意识到 " 真实的情感共鸣比华丽的视听更重要 "，这直接影响了她后续作品对现实主义题材的处理方式。

"90 年代我们担心数字技术毁了电影，如今看来它只是让电影多了一副翅膀。" 李少红总结，当创作者能像接纳数字摄像机一样接纳 AI，像研究剧本一样研究短视频，中国电影将在技术变革中迎来新的创作黄金期。这种开放与坚守并存的态度，或许正是破解当下创作困境的关键。

但技术之外，人文内核仍是创作的基石。导演董润年在创作聚焦打工人群体的《年会不能停》时，深入工厂生活半年，" 站在他们中间讲故事，而不是居高临下的观察 "。这种沉浸式创作让影片收获了目标观众的强烈共鸣，印证了黄建新的观点：" 好电影能跨越代际与阶层，关键在于创作者是否足够诚实。"

导演文晏以 " 时间加速度 " 为切入点，深刻剖析了技术迭代与观众心理变迁对电影创作的重塑。她强调，在变革频率从 " 几年一变 " 到 " 几月一变 " 的当下，创作者必须打破传统思维，以更开放的姿态拥抱观众的主体参与，在类型创新与主题表达中找到与年轻世代的对话支点。

07

将市场洞察内化为创作基因

青年导演魏书钧从创作者与观众双重视角切入，深刻剖析了 " 观众主体意识觉醒 " 对电影创作的颠覆性影响。他强调，当观众从 " 仪式感消费 " 转向 " 情感共鸣与社交表达 "，创作者必须重新定义题材选择与市场宣发的边界，在艺术表达与观众连接之间寻找动态平衡点。

在魏书钧看来，当下观众正经历从 " 观影仪式化 " 到 " 参与主体化 " 的转变：" 过去观众走进影院是为了体验‘银幕奇观’，现在他们更期待电影成为表达自我态度的社交货币。"

" 观众主体意识觉醒不是创作的束缚，而是新的可能性，" 他总结，" 当我们把‘与观众对话’作为创作起点而非终点，电影就能从单向输出的艺术品，变为连接时代情绪的文化节点。" 这种将市场洞察内化为创作基因的思路，或许为青年导演在商业与艺术之间寻找平衡提供了新的思考维度。

    文  /  赵   丽

编辑  /  梅   紫

责编  /  杜思梦

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