埃拉 · 沃克（Ella Walker），《Verdaccio Wall》，2026

艺术史的发展，始终伴随着一代代艺术家对前人的回应与反叛。在这里，他们挑战的是艺术史经典对于不同类型身体和爱情故事的忽略，以及它对媒介边界的严格界定。有艺术家将篮筐编织与陶瓷结合，也有人重新思考身体与装饰物之间的边界。

总体而言，这一季崭露头角的艺术家让我们重新看待自身，也重新审视我们一直以来讲述的关于艺术与归属的故事。以下是值得关注的 9 位艺术家。

路易斯 · 弗拉蒂诺 Louis Fratino

路易斯 · 弗拉蒂诺 Louis Fratino，1993 年出生于美国马里兰州安纳波利斯，2015 年毕业于马里兰艺术学院，2016 年获得富布赖特研究奖学金，现居纽约市，卓纳画廊（David Zwirner）签约艺术家，被视为全球最火的 90 后艺术家之一，他巧妙地融合了现代主义元素与个人独特风格，形成了富有张力的艺术语言。他的作品中，立体主义画风明显，通过几何色块的巧妙拼接来塑造形象，融合 20 世纪初现代主义的艺术传统，明显借鉴了马蒂斯、毕加索、莱热等大师的色彩与造型语言，将立体主义、野兽派的特质转化为当代的情感表达，以其独特的绘画风格在艺术界崭露头角。

他的作品以现代主义和立体主义手法，通过几何色块展现生活中的平凡瞬间。这种独特的视觉语言使观者得以窥见生活背后更为深层的情感世界。他的具象画作借鉴马斯登 · 哈特利 ( Marsden Hartley ) 、巴布罗‧毕加索 ( Pablo Picasso ) 和大卫‧霍克尼 ( David Hockney ) 等画家，从私密的角度描绘奇特的欲望和为人熟悉的慰藉。

他的画作中，男性裸体、纠缠的身体场景，为当代主题注入了艺术史的参考。他的作品唤起了立体主义和野兽派的信条，经常采用 20 世纪早期现代主义者的风格和调色板，如巴勃罗 · 毕加索、费尔南德 · 莱热和亨利 · 马蒂斯。

他的技法深受现代主义影响，尤其是马蒂斯（Henri Matisse）和舒尔茨（Dan Schultz）的作品给予了他极大的启发。

弗拉蒂诺发展了一种独特的视觉语言，用于描绘身体、室内空间和风景。他擅长在熟悉的家庭场景中捏造和合并新的人物角色。在这些场景中，男性角色以一种随意懒散的姿态出现，线条柔和。弗拉蒂诺还将日常生活中观察到的细节引入视觉画面，探索当下现实世界中人们流动的情感、非传统的身份与静止状态中的温柔。

弗拉蒂诺的 " 原欲 " 风格源自他对古意大利和古埃及艺术的喜爱。他的作品中，大大的无辜的黑眼圈既是毕加索的孩子也是德库宁的女人。

作品被全球数十家顶级美术馆收藏，包括惠特尼美国艺术博物馆、休斯顿美术博物馆、芝加哥艺术学院、伦敦大英博物馆、纽约大都会艺术博物馆等机构

2024 年受邀参加第 60 届威尼斯双年展中央馆的主题展，作品进入全球当代艺术的核心视野 ，2026 年在巴尔的摩艺术博物馆路易斯 · 弗拉蒂诺与亨利 · 马蒂斯（Henri Matisse）举办双人展《Fratino and Matisse: To See This Light Again》。

并在纽约锡克马・詹金斯画廊、巴黎恰西亚・莱维画廊等地举办了《晨光》《大地的生长》等个人展览，赢得了艺术界的广泛赞誉。

2025 年在佳士得拍卖创下 75.6 万美元的个人最高成交纪录，是目前百万美元梯队的当红新锐艺术家。

路易斯 · 弗拉蒂诺肖像，乔丹 · 韦茨曼（Jordan Weitzman）摄，2025

路易斯 · 弗拉蒂诺《特里斯坦跳舞中，金星》，布面油画、蜡笔，35.9 × 27.9cm，2017 年，成交价：119.7 万港元

路易斯 · 弗拉蒂诺《Beach at Night》，布面油画、蜡笔，61 × 76.2cm，2017 年

很少有 30 岁出头的艺术家能够与一位现代主义大师共同举办双人展。今年夏天，画家路易斯 · 弗拉蒂诺便与亨利 · 马蒂斯（Henri Matisse）共同举办了展览。

巴尔的摩艺术博物馆（Baltimore Museum of Art）的 "Fratino and Matisse: To See This Light Again"，也为弗拉蒂诺与卓纳画廊（David Zwirner）合作的首场展览积蓄了势头。新展将于 9 月 18 日在画廊伦敦空间开幕。卓纳画廊去年宣布代理弗拉蒂诺，这也是他此后的首场个展。

弗拉蒂诺以描绘男性人物和酷儿空间的细腻而富有情感的绘画获得赞誉。在描绘男性身处家庭、社交和户外环境，以及床笫之间的丰盈而亲密的场景中，他融汇了多种艺术史风格，包括毕加索、马蒂斯，以及未获足够重视的英国画家克里斯托弗 · 伍德（Christopher Wood）。

雷吉 · 伯罗斯 · 霍奇斯 Reggie Burrows Hodges

1965 年生于美国加利福尼亚州康普顿，现生活和工作于旧金山湾区

雷吉 · 伯罗斯 · 霍奇斯，《Aida the Homegirl》，2024

雷吉 · 伯罗斯 · 霍奇斯一直过着辗转各地的生活，先后在纽约、马耳他、安哥拉、加拿大、佛蒙特州、旧金山湾区和缅因州安家。如今，这位出生于康普顿的画家迎来了一次盛大的 " 返乡 "：今年秋天，他将在洛杉矶同时推出三场展览。10 月 20 日，J · 保罗 · 盖蒂博物馆（J. Paul Getty Museum）将开幕 "A Theater of Passions"，加州非裔美国人博物馆（California African American Museum）推出 "A Theater of Miracles"，画家马克 · 布拉德福德（Mark Bradford）创办的非营利艺术空间 Art + Practice 则将呈现 "A Theater of Dreams"。其中两场博物馆展览，也是霍奇斯首次在洛杉矶当地机构举办展览。

对于这位长期辗转各地的艺术家而言，" 黑色 " 是字面意义上的基础，也是他不断回归的底色：每件作品开始时，他都会先在亚麻布上铺一层黑色颜料，再以丙烯和粉彩继续作画。他笔下的人物始终保持深暗而坚实的形态，由轮廓线勾勒，或被周围的色彩场域包围。霍奇斯的画面涵盖风景、肖像和室内场景，而从雅各布 · 劳伦斯（Jacob Lawrence）到卡拉瓦乔（Caravaggio）的艺术史引用，则为作品增添了学术底蕴和广度。

在盖蒂博物馆，霍奇斯将直接回应馆藏中阿尔泰米西娅 · 真蒂莱斯基（Artemisia Gentileschi）及其父亲奥拉齐奥 · 真蒂莱斯基（Orazio Gentileschi）的古典大师绘画，他的当代诠释也将与这些作品并置展出。

阿妮娜 · 梅杰 Anina Major

1981 年生于巴哈马拿骚，现生活和工作于洛杉矶

阿妮娜 · 梅杰肖像，梅丽莎 · 阿尔塞纳（Melissa Alcena）摄，2026

阿妮娜 · 梅杰，《Beacon》，2026

今年早些时候，阿妮娜 · 梅杰凭借工艺创作获得 United States Artists 颁发的 5 万美元无附加条件资助。她的雕塑结合了两种民间工艺形式：陶瓷与篮筐编织。梅杰像处理藤条和其他纤维一样处理陶土，以手工将条状陶泥编织成坚固的容器。她的创作方式源于自身的迁徙经历；无论是她本人还是她的作品，都拒绝艺术与工艺、一种媒介与另一种媒介、一个国家与另一个国家之间泾渭分明的界线，转而拥抱流动与创造。

梅杰来自群岛国家，她的雕塑经常融入与水有关的元素也就不足为奇。此前，她曾在作品中使用海绵、玻璃和盐。10 月 1 日，她将在迈阿密佩雷斯艺术博物馆（P é rez Art Museum Miami）举办美国首场个展 "The Sacred Mangrove"。届时，艺术家将创作一件装置，以碎海螺壳铺成一条穿过作品的路径，引导观众进入她对加勒比景观的重新想象——那里曾经是她的家。

罗密欧 · 米维坎宁 Rom é o Mivekannin

1986 年生于科特迪瓦布瓦凯，现往返生活和工作于法国图卢兹与贝宁科托努

罗密欧 · 米维坎宁肖像

罗密欧 · 米维坎宁，《A Rose ( 1907 ) , after Thomas Anshutz》，2026

画家罗密欧 · 米维坎宁拥有贝宁王室血统，并在创作中不断直面这一家族谱系既显赫又悲怆的历史。他的曾曾祖父贝汉津国王（King Behanzin）于 19 世纪末统治西非的达荷美王国（Kingdom of Dahomey），当时法国入侵并洗劫了这个王国——不要将其与大约同一时期遭英国入侵和掠夺的贝宁王国（Kingdom of Benin）混淆。流失的国宝直到后来才逐渐获得归还。

2019 年，米维坎宁在巴黎奥赛博物馆（Mus é e d ’ Orsay）参观一场有关法国绘画中黑人模特的展览后，找到了自己的创作主题。他开始在浸过伏都教药水、再缝合起来的床单上描绘自己的祖先。有时，他会将他们置入艺术史上的经典场景，这也逐渐成为其作品的标志。过去十年间，他在欧洲举办了十余场个展，重新演绎爱德华 · 霍珀（Edward Hopper）、古斯塔夫 · 卡耶博特（Gustave Caillebotte）和弗朗西斯科 · 德 · 苏巴朗（Francisco de Zurbar á n）等人的构图，并以黑人形象取代原作中的白人主体。

9 月 9 日，米维坎宁将在 Southern Guild 开幕美国首场个展 "Porteurs de feu ( Bearers of Fire ) "。此次，他重新创作的几件作品都与纽约有着特殊联系：温斯洛 · 霍默的一幅海上场景、约翰 · 辛格 · 萨金特的一幅上流社会肖像，以及查尔斯 · C · 埃贝茨（Charles C. Ebbets）那张著名的建筑工人在摩天大楼钢梁上吃饭的照片。这些作品促使观众思考，奴隶制与压迫留下的历史遗产，与艺术、建筑乃至整座城市的历史之间存在着怎样的关系。

贝娅 · 斯卡恰 Bea Scaccia

1978 年生于意大利韦罗利（Veroli），现生活和工作于纽约

贝娅 · 斯卡恰肖像

贝娅 · 斯卡恰的画面中充满卷曲的发丝、串珠、金链、红色高跟鞋，以及其他具有女性气质的装饰物。这些元素彼此交织，组合成没有面孔、带有雕塑感的形态，让人联想到童话中的生物，仿佛一场龙卷风刚刚席卷过服装间。

9 月 22 日，高古轩（Gagosian）将开幕斯卡恰在画廊的首场展览 "Groomed"，由著名意大利策展人弗朗切斯科 · 博纳米（Francesco Bonami）策划。其中一件新作双联画《Heels over Head — or Pillow Talk》（2026），戏仿爱德华 · 马奈（É douard Manet）《Olympia》（1863）中的宫娥式斜倚裸女；另一件作品则重新演绎洛可可艺术中常见的题材：在闺房中阅读的少女。

黎清妍 Firenze Lai

1984 年生于香港，2006 年毕业于香港艺术学院，现生活和工作于伦敦，香港 Hulahoop 画廊的联合创始人。她受弗朗西斯 · 培根影响，作品聚焦心理状态而非肖像，色彩柔和、空间精简，风格含蓄内敛，通过消除个体差异来凸显人类心灵、身体与环境的互动关系，以具象绘画中匿名、变形的人物和克制的视觉语言著称，具有独特的视觉冲击力。

她用比较简洁、动态的方式，把人物内心的挣扎和群体状态画出来，观众能从画里感受到一种共同的生存处境；画里的人往往身体比例被拉伸或压缩，有的四肢粗壮、头却很小，看起来有点怪诞，但能让人感觉到人物在努力适应环境，她的画不单是画人，更是在表现人怎么被周围空间和处境影响。

她的作品经常以人物在封闭空间中扭曲或压缩为特色，揭示了精神、身体与周围环境之间的关系和隐藏的动态。在 Firenze Lai 的画中，她捕捉了城市的日常瞬间，关注画中人的身体和精神状态，以及他们所处的环境。她的作品试图从绘画中实践外界和身体的对置和互换，从而验证各种难以言喻的主体经验。

她的作品中，人物经常在背景中扭曲或压缩在封闭的空间中，这种表现方式剥离了主题的所有个性，突出了精神、身体和周围环境之间的关系。这种表现方式有力地唤起了人类共有的倾向，包括个人之间、个人与自我之间、个人与社会习俗之间的紧张关系。

展览

2021 年 1 月 4 日在蓬皮杜艺术中心；

2020 年 9 月 12 日至 11 月 15 日在 Galeria Municipal do Porto 的展览；

2019 年法国 MAMC+ 举办过个展；

2019 年在香港大馆举行的当代艺术展 "Global ( e ) Resistance"；

2017 年第 57 届威尼斯双年展；

2017 年 Viva Arte Viva；

2015 年纽约新美术馆三年展；

2014 年第十届上海双年展。

黎清妍将于 2026 年 10 月 13 日在伦敦白立方画廊（White Cube Mason's Yard）举办她在该画廊的首次个展《The Silence of Firenze Lai》。

2025 年 7 月白立方画廊宣布代理黎清妍。

2020 年首次登陆拍场，其作品《从此幸福快乐地生活下去》就斩获 262.5 万港元，建立了一个很高的起点。此后其作品一路走高，《共事的人》达到 302.4 万港元的新纪录。

黎清妍肖像，奥利 · 哈米克（Ollie Hammick）摄，2025

黎清妍，《Topographer》，2025

Firenze Lai 黎 清 妍 - Grass Slope - Oil on canvas - 201

Firenze Lai 黎 清 妍 - Tilted Circle - Oil on canvas - 2

左：黎清妍《尾班車 ( Hurry Home ) 》（2012）；右：黎清妍《博物館 ( The Museum ) 》（2012）

黎清妍《潺潺 ( Ripple ) 》（2015）

左：《你不要亂跑 ( Autism ) 》 2013；《星期三的投注站 ( Betting Station ) 》 2013

黎清妍 ( 1984 年生 )

《重量》

油彩 画布、100 x 80 cm、2013 年作

估价：港元 1,200,000 - 2,000,000

二十及二十一世纪艺术晚间拍卖

5 月 26 日香港佳士得

《The Yellow Water》

油彩 画布、46 x 61 cm.、2012 年作

估价：港元 400,000 – 600,000

二十一世纪艺术日间拍卖

5 月 27 日香港佳士得

名单上的大多数艺术家都会吸收某种特定的艺术史风格，甚至直接引用具体作品的构图，黎清妍则把目光转向内在世界。这位出生于香港、现生活和工作于伦敦的艺术家创作油画，画中常出现令人不安的人物，他们坐在城市长椅上，又仿佛逐渐融入迷幻的风景。与潜意识相关的隐秘主题贯穿她的创作。

10 月 13 日弗里兹伦敦（Frieze London 2026）期间，黎清妍将在白立方（White Cube）开幕 "North and True North"，这是她与画廊合作后的首场展览，也是白立方

于 2025 年 7 月宣布代理她之后，她在英国举办的首展。在此之前，她已在香港、中国内地和法国举办过个展。

埃拉 · 沃克 Ella Walker

1993 年生于英国曼彻斯特，现生活和工作于伦敦

埃拉 · 沃克

英国画家埃拉 · 沃克非常着迷于彩绘手抄本，也钟情于费德里科 · 费里尼（Federico Fellini）华丽奔放的电影，这两种影响在她的绘画中都清晰可见。她笔下充满戏剧感的女性，以令人联想到欧洲中世纪和文艺复兴壁画的扁平方式呈现。人物身穿飘逸长裙、乳贴、丑角菱格纹服饰，以及看起来像瑜伽裤的衣服。换句话说，她们是神话与当代元素的独特混合：既像从故事书中走出来，又按照自己的规则塑造着女性形象。

9 月 3 日，沃克在考陶尔德美术馆（The Courtauld）推出两件特定场域委任作品。两件作品均为大型亚麻布绘画，以丙烯乳液、颜料、粉笔和铅笔创作。其中一件描绘艺术家的工作室，却加入了几处打破常规的元素：一条悬挂着的鱼、身体比例各异的女性，以及衣着程度不同的人物。另一件则描绘一群围绕梯子聚集的女性。沃克继续从文艺复兴艺术中汲取灵感，并将目光投向该机构自身的馆藏，尤其是一件桑德罗 · 波提切利（Sandro Botticelli）的祭坛画。

考陶尔德的这次呈现标志着沃克一次重要的机构亮相。紧接着，11 月 5 日，她还将在纽约 Casey Kaplan 开幕与画廊合作的第三场个展。

艾玛 · 普伦佩 Emma Prempeh

1996 年生于伦敦，现生活和工作于伦敦

艾玛 · 普伦佩

艾玛 · 普伦佩，《Return was, and still may be, an intention》，2026

金箔点缀着艾玛 · 普伦佩的画布，在一幕幕向她的加纳和圣文森特血统，以及伦敦成长经历致意的场景中闪烁。

这种多重身份的交融，也在她朦胧的画面中找到呼应，这些构图往往游移于不同状态之间。《One world for another》（2026）是普伦佩为 9 月在贝浩登（Perrotin）巴黎首展创作的新作。画面中，层层叠叠、细致描绘的树木、笔触松动的蓝色天空以及建筑元素，仿佛分别取自不同的风格和地点。棕绿色的地面布满流淌的颜料，呈现出流动感。展览题目 "The Domain of the Stranger" 取自作家赛迪亚 · 哈特曼（Saidiya Hartman）2007 年的著作《Lose Your Mother》，该书探讨奴隶制与非洲离散经验；普伦佩的作品也在处理与之相关的地方感与无归属感。

" 黑色 " 与转变是普伦佩画面的重要元素。无论是在她称之为家的英国，还是在海外，她的创作都已获得认可。艺术家曾在伦敦和拉各斯的 Tiwani Contemporary 举办个展。2025 年，赫普沃斯韦克菲尔德美术馆（The Hepworth Wakefield）和泰特美术馆（Tate）均收藏了她的作品。

克日什托夫 · 格日巴奇 Krzysztof Grzybacz

1993 年生于波兰，现生活和工作于波兰克拉科夫（Krakow）

克日什托夫 · 格日巴奇

克日什托夫 · 格日巴奇，《Flag I》，2026

9 月 3 日，画家克日什托夫 · 格日巴奇在 Pace 开幕 "Haruspex"，迎来自己在伦敦的首次个展。展名指的是古罗马时期通过观察动物内脏来预测未来的占卜师，而身体内部隐藏的秘密，同样是格日巴奇这些精细绘画所关注的问题。

例如在《Torso》（2026）中，一个斜躺的人物身穿白色上衣，衣服上的拉链看起来也像一道胸腔的肋骨；下方经过拉合和缝补的材质，则同时令人想到皮肤、布料和纸张。新作中反复出现的花卉图案延续自艺术家此前的系列，而作品的色彩则源于他对植物和人类感知的研究。在佩斯画廊此次个展之前，格日巴奇曾分别在布鲁塞尔 Mendes Wood DM 和华沙 Dawid Radziszewski Gallery 举办个展。